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Hoy a la mañana la red Saatchi celebró los 25 años de una de las muestras más convocantes y por la que siempre vale la pena venir al festival. Este año particularmente, el haber podido disfrutar de un experimento audiovisual con 25 talentos que formaron parte del reel en estos 25 años hizo la experiencia aún más enriquecedora y demostró la vigencia de los grandes. 25x25 fue un cadaver exquisito del que participaron Daniel Kleinman, Dawn Shadforth, Floria Sigismondi, Jonathan Glazer, Michel Gondry, Ivan Zacharias, Traktor, Dante Ariola, Ringan Ledwidge, Antoine Bardou-Jacquet, Carl Erik Rinsch, Noam Murro, Tim Bullock, Dougal Wilson, James Rouse, Jamie Rafn, Fredrik Bond, Philippe Andre, Jake Scott, Ne-o, David Wilson, Daniel Wolfe, Ilya Naishuller, Vania Heymann y Charlie Robins. Cada director daba pie al siguiente con una producción original pero con referencias a la película con la que había participado del reel en su momento. Imposible elegir uno por sobre el resto, aún siendo propuestas muy diferentes. A continuación se proyectó el reel NDS 2015 con 14 nuevos talentos que supieron estar a la altura de semejantes teloneros. Sí podemos destacar entre ellos a Kyungmin Woo, Eric Kissack, Chandler Levack & Jeremy Schaulin Rioux, Charlie Robins. Para disfutarlos entrá al Canal de NDS    
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El multifacétivo y talentoso músico (productor, creativo, etc, etc ) Pharrel Williams fue invitado para debatir sobre la colaboración entre la creatividad y el negocio de la música junto a Ryan Seacrest. "Hay que reinventarse, arriesgar, mantenerse diversificado y que cada proyecto tenga su personalidad. Hay que ser multitasking" A la hora de elegir sus proyectos Pharrell prioriza: "depende de lo que creas que puedas aportar. No es colaboración si no podés aprender algo del otro. Muchas veces no se es lo que el músico dice sino la energía que trae, lo que trasmite con la canción. Está bueno escuchar algo que te guste pero...¿qué te hace sentir? Asegurate de que siempre haya una intención en lo que hacés". happy
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Marilyn Manson, el vampiro de Hollywood Hills en el Palais. Invitado por Grey, el excéntrico músico sorprendió a la audiencia con una charla franca y centrada en la que compartió algunos conceptos como "Nunca me importó que mi imagen opacara mi música, mas bien temí que mi música opacara mi imagen" o "Suelo esconder mis miedos con sarcasmo. Tener un avatar no te da una personalidad." manson Durante la charla, Manson compartió su hobby por la pintura: "El desafío para todo artista es mantenerse fiel a sí mismo pero seguir evolucionando." Quiero que a la gente le guste lo que hago, sea música o pintar. Nunca quise exhibir, muchas de mis pinturas sólo las use para pagarle a mi dealer" y concluyó "Nunca fui suicida, creo que eso es ser un artista: expresar las cosas en vez de hacerlas". Lars Ulrich #music + #brands El baterista y fundador de Metallica compartió su visión sobre la colaboración entre la industria de la música y las marcas. "La música juega un rol significativo en la vida de la gente, Creo que tanto música como marcas pueden ir de la mano en una win-win-win situation: donde se benefician tanto la banda como la marca como los fans". "Es una situación muy diferente a 20 años atrás donde te podían considerar un vendido por colaborar con alguna compañía. Los fans van a entender tus decisiones siempre que te mantegas fiel a vos mismo. Nunca podés controlar todas las variables, asi que sólo tenes que hacer lo que sentis que es correcto. Puedo dormir tranquilo porque siento que como banda tenemos la credibilidad intacta". Jessica Walsh #play Entre los festejos por el 25 aniversario de Photoshop, Adobe convocó para su seminario a Jessica Walsh, directora de Arte, diseñadora y socia de Sagmeister & Walsh. El tema fue el renacimiento creativo como resultado del desarrollo tecnológico y el entrecruce de data & analitycs como disparador/facilitador del proceso creativo. Walsh destacó al juego como estado de la mente y condicion directamente relacionada a la calidad del tabajo "el juego es el balance perfecto entre desafío y pasión. Para lograr un gran trabajo es indispensable tener confianza para fracasar, suficiente tiempo para dedicarle al proyecto y suficiente distancia con la realidad cotidiana." Walsh insistió en que hay que jugar según las reglas y si no las hay que crearlas porque es más dificil trabajar cuando el brief es abierto.  
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A Pablo Del Campo le sobran credenciales. Este año, el argentino fue invitado por el festival de Cannes para presidir Press, una categoría que según él es fundamental en la formación de un publicitario. Férreo defensor de la creatividad, con una cabeza global y una conciencia local muy fuerte, cumple un año al mando de la dirección creativa mundial de Saatchi & Saatchi. Abierto y sin vueltas, Pablo Del Campo, nos revela su estrategia para reorganizar la red, volver a las bases y hacerla rendir al máximo, y su experiencia como productor de teatro y de eventos, demostrando lo bueno que es cuando la industria del entretenimiento se junta con la de la comunicación publicitaria.   delcampo110 ¿Cuál es tu balance a un año de estar al frente de Saatchi? Logrando algo que creo que está más balanceado. Tratando de lograr que sean varias las oficinas que contribuyan al buen producto creativo. Me parecía que no estaba bueno que todo el producto creativo estuviera saliendo de un par de oficinas. Prefiero menos cantidad pero todo más parejo y donde pudiera haber aportes de Londres, New York, Los Angeles, Australia. De todos lados. Y no que estuviera todo tan concentrado en Argentina o Nueva Zelanda. ¿Cómo se logra eso? En principio entendiendo que hay mercados que son prioritarios, y esos mercados prioritarios tiene que tener un producto creativo. De la misma manera que vos les exigís a todas las operaciones que tengan un buen revenue o margen, es tan importante eso como el producto creativo. El producto creativo es la única arma que tenemos las compañías de ideas. ¿De qué te sirve tener un muy buen revenue si no tenes un buen producto creativo? En todas las redes, las personas más temidas son los directores financieros (CFOs), no hay opciones con ellos. Creemos que los mercados prioritarios no tienen opción de tener tres productos creativos que estén muy buenos. Lo que hicimos fue elegir diez oficinas a las que les exigimos rendir. Y me pareció justo correr a algunas oficinas, incluyendo a Argentina,  de tener que rendir en términos de revenuepor distintas cuestiones y porque cuentan con recursos diferentes a los de Nueva York, Los Angeles, Londres, Australia, China, Alemania, Italia. Podríamos decir que es “the revenge of Latam”. Puede ser una mirada un poco resentida, pero es lo que me parece justo. Siempre me acuerdo una vez estar en Wimbledon y un tenista se quejaba porque justo en pleno campeonato le estaban informando que iba a tener un cambio de coach en la próxima temporada. Y el tipo lloraba. Cuando yo pensaba ¡Vive en Inglaterra! Y le están avisando que cambia el coach! Eso es quejarse de panza llena. Y la sensación que me da es que cuando uno ve las limitaciones con las que cuentan países como los nuestros, y cuando vos ves todos los otros beneficios que hay en otros mercados…cuando se deja de ver el beneficio que uno tiene, y la zona de confort que muchas de esas oficinas tienen, te empezás a quejar de cosas intrascendentes y poco productivas. Y ves mercados como Argentina o Nueva Zelanda en donde los obstáculos los vuelven muy productivos en términos de ideas. El mismo obstáculo te enseña a ir a buscar el plan A, B y Z. A veces los mercados prioritarios se quedan paralizados frente al obstáculo y de ahí no hay pensamiento alternativo. ¿Cómo se lleva a la práctica? ¿con premios y castigos? ¿con redistribución de talento? En parte redistribución de gente: había determinados creativos que son muy buenos en mercados que eran menos relevantes. No tengo dudas que la buena creatividad y el revenue vienen juntos, o deberían ir juntos. Por ejemplo movimos un equipo italiano (en Italia hay una buena oficina, hay un trabajo creativo consistente). Nos pareció que era mucho más eficiente que este equipo que estaba haciendo campañas de bien público en Italia, estuviera haciendo campañas para Pampers en Nueva York. Si hay un negocio muy bueno Novartis en Ginebra es mejor tener el mejor equipo de Bélgica sentado allí. Es mejor tener a los buenos equipos sentados en los lugares en donde hay algo más relevante cocinándose. Primero tuvimos que hacer un muy buen diagnóstico de quienes eran los creativos que estaban haciendo la diferencia. De hecho, eso pensamos cuando movimos a Maxi (Itzkoff) y Mariano (Serkin) de Argentina hacia un mercado más desarrollado. Los chicos están sentados en España pero pensando para uno de los principales clientes de la compañía que es Toyota Europa. La frase que usamos, y es clave en lo que preguntás es tener al jugador en donde tiene que estar: “player in position”. Cómo hacerlo jugar donde más le sirve a la agencia y al mismo creativo. En ese cambio, los creativos también se encuentran con que uno puede traer la impronta de trabajar sólo y con el obstáculo y es distinto cuando te encontrás con todo un aparato grande detrás. Quizás esa dupla resolvía sola la campaña de café Illy hablando directamente con el cliente en una charla de café. Y ahora es distinto. Hablaste de relevancia, ¿qué relevancia está teniendo la publicidad como discurso frente a tantas otras alternativas? Creo enormemente en la industria y en el valor de esta industria. Está claro que hay diez millones de cosas ocurriendo al mismo tiempo, pero lo que pasa en esta industria es que trabajamos para marcas. Las marcas siguen (y seguirán) existiendo y necesitan de gente con capacidad de construirlas a través de muchos lugares. Uno de ellos es la comunicación, que es básica para construir una marca. Me parece que sigue habiendo un espacio enorme para esta industria. Lo que inevitablemente pasa es que hay una gran construcción por la cantidad de cosas que se venden y porque sigue habiendo un complejo muy grande de los anunciantes de “tengo que estar”, entonces se desconcentran mucho los presupuestos y la energía. Hay una frase que el otro día me mencionó Kevin (Roberts): “lo bueno de cuando uno no tiene claro hacia dónde va es que todos los caminos te pueden llevar a ese lugar”. Y yo creo que en parte nadie tiene muy en claro hacia dónde vamos como industria, ni nosotros ni los anunciantes, entonces existen muchos caminos. A todos los podés justificar. ¿Atraer talentos a esta industria es complicado hoy? ¿o no sucede eso en Saatchi? Sí, pasa en todas las agencias. Sí me sorprende ver algo que pensé que no ocurría: la gente tiene miedo a quedarse sin trabajo y quedarse fuera del sistema. Uno podía pensar que era un miedo más propio de nuestro hemisferio, pero no es así. Eso me parece que por un lado desmitifica esto de que el creativo tiene diez millones de alternativas. No es así. El miedo está presente y una de las cosas que genera es que nadie quiere equivocarse y eso es muy difícil. En el creativo hay mucho de ensayo y error y el miedo a equivocarse atenta contra un mejor trabajo y un mejor talento. La gente está muy aferrada a su lugar. Lo ves en el festival de Cannes, hoy se da una situación muy parecida a la que se daba con los argentinos hace 15 años, donde la única opción que tenías en tu vida era Cannes. Y había una gran desesperación por ganar algo. Si no ganabas en Cannes parecía que todo lo demás se derrumbaba: no ganabas dinero, no te ascendían...El nivel de histeria de este año va a ser grande. Hay una desesperación muy, muy grande que quede plasmado en Cannes que algo pasa con vos y con tu trabajo. Cannes legitima y a su vez justifica. Sí justifica porqué le dedicaste tantas horas a tal campaña o porqué le insististe tanto a un cliente con hacer tal campaña. Y si Cannes no te lo legitima, la sensación es de Apocalipsis. Otra cosa que veo estando afuera es que además de sentir que la gente está muy temerosa y hay miedo a correrse de la zona de comfort, también hay muchísima ambición. Son super ambiciosos desde lo económico y no quieren perder absolutamente nada. Los mercados más desarrollados son muy ambiciosos y tremendamente desconsiderados a partir de esa ambición. Y Cannes entendió muy bien esta dinámica. La necesidad de ser notorio, a pesar de todo. ¿Con qué festival crees que te vas a encontrar? Hay campañas y cosas muy lindas, ya sea dentro y fuera de Saatchi. El Cannes que vengo viendo últimamente es como “La biblia y el calefón”, una cosa muy mezclada. Y se empieza a mezclar mucho qué es bueno, qué es más o menos, que es más dorado, plateado, bronce, transparente. Yo lo veo como una bolsita de cumpleaños, con mucho brillo, donde todos se van con algo muy fascinados y quieren volver a vivir la experiencia en 2016. Como sabemos todos que parte de las reglas de la industria se juegan en Cannes, lo aceptamos como tal. Jugamos a esto. Nadie se animó (y me incluyo) a patear el tablero. A decir, juego a otra cosa. No se patea porque debe seguir rindiendo…Para el cliente es sinónimo de buen trabajo. Nosotros en Saatchi tenemos el libro de las 30 páginas. La idea de la red es encontrar 30 trabajos en el año que estén muy buenos. Y esto va más allá si ganaron algo o no. Son trabajos de los que nos sentimos orgullosos por alguna razón. Y los stándares para elegirlos son muy, muy altos. En el 2014 de las 30 páginas completamos 10. Y las otras páginas quedaron en blanco. No necesariamente ganar en Cannes significa estar en este libro. Para nosotros el libro tiene que ver con aquellas cosas que te pueden ayudar a mantener la mística de Saatchi & Saatchi. Dentro de esas 30 páginas queremos incluir trabajos que colaboren con la mística de esta compañía de ideas. Y no necesariamente son un león de oro o bronce, o en direct, ambient, PR, mobile o Health. Todo bárbaro con el león de oro, aplaudámoslo pero creemos que está bueno documentar en nuestra red aquello que rescata nuestra mística. Me corrí fuertemente de los ránkings. Tenés que dedicarle una vida entera a eso. Para seguirlos debería ser lo único a lo que te dediques. La verdad es improductivo, se vuelve aburrido. ¿Atrae clientes un ranking? Los clientes quieren estar con los ganadores. Esa es la verdad. Quieren asociarse a los que ganan para que los ayuden a ganar. Mejor pegarse al número uno que al cuatro. Y no se discrimina mucho. Lo que pude consensuar con Kevin Roberts, es corrernos y pensar qué es lo que aporta a la mística de la red. Si no el trabajo es muy insalubre. Y no es muy productivo. Sos Chairman del Press Jury este año ¿qué sensación tenes con la categoría? Hay bastantes cosas paradójicas. En las agencias hoy en día no tenemos muchas órdenes de trabajo pidiendo Press. Y en todo caso, lo que se pide, son cosas que se apliquen en otros medios. Lo paradójico es que a la industria de las revistas a nivel mundial funciona y les va bárbaro. Y no hablo de las revistas online sino las de papel. La industria funciona bárbaro pero en el mundo de los anunciantes el mundo gráfico es menor. Por otro lado, creo que una buena pieza de Press es enormemente eficiente porque te permite estar vinculado, tener información, entender. Y de alguna manera me lleva al fenómeno de los museos. ¿por qué la gente va a los museos? por qué los museos más tradicionales como Louvre o Prado se llenan? Estás contemplando gráficas en silencio. Hay museos más interactivos, con guías en los headphones, e instalaciones, pero en definitiva, la base es ese contacto uno a uno y en silencio con la pieza. Y de alguna manera es lo que te pasa cuando estás con una revista, ya sea con un artículo, una fotografía o una campaña. Hay una interacción que sigue funcionando. La industria que siempre movió mucho la publicidad gráfica se está divirtiendo más con otras cosas. Lo que me apena de eso es que la gráfica históricamente ayudó a formar muy buenos creativos; porque era el lugar en donde se presentaba el máximo desafío creativo: cómo hacer para contar en un espacio reducido algo que sea contundente, atractivo, directo, deseable, inspirador. Un buen titular, una buena imagen, un buen texto eran desafíos que ayudaron a que muchas generaciones de creativos se formaran y aprendieran a conceptualizar. Si un equipo creativo puede hacer un gran trabajo en una pieza de papel, entonces puede hacer un gran spot de televisión. Veo que la conceptualización hoy es mucho más flojita, más baja, incluso en los niveles más altos de dirección creativa. La gráfica ayuda a toda una generación en el mundo a conceptualizar. A aprender a comunicar y a dónde focalizar. Había algo que estaba buenisimo. Por más que muchos piensen a la gráfica como obsoleta, las escuelas de publicidad deberían seguir enseñando gráfica asi como es buenisimo saber latín para saber francés. Estoy queriendo que un muy buen redactor de Londres, vaya a enseñarle a los chinos y se instale en Hong Kong, Shangai y Beijing y de clases de Press 1, para enseñar a conceptualizar. Las carpetas de presentación de los creativos antes eran gráficas, porque era lo que podían hacer y eso te ayudaba a diagnosticar al creativo. El año pasado en Clio Awards evalué algunas cosas de la categoría Student, y todos los chicos presentaban “casos”, aprendiendo que la industria en los festivales premian casos. Era todo igual. Y al festival no le importa. Si esperamos que los festivales colaboren para el desarrollo de la industria...no es algo que necesariamente vaya a pasar. Pero sí me parece que puede hacer mucho daño. No encontré ideas en esa categoría, eran todos casos, copias de estructuras y formatos sin ideas. Una fiaca. Pero para volver a la pregunta: Me encantaría ir a Cannes sin un prejuicio fuerte que es: voy a ver un festival de gráficas inexistentes. Me encantaría sorprenderme. En el festival hay mucho de “qué creatividad hago en función de la categoría”, el punto de partida es qué campaña hago en función de las categorías que hay.nSi hubiera podido elegir, a pesar de que me encanta y me parece divina la gráfica, hubiese preferido estar en otro jurado. Pero bueno… Esta nueva faceta de tu carrera como productor de teatro, con tan buenos resultados, ¿cómo la vivís? Una de las cosas que estuve trabajando con Kevin Roberts es que deberíamos acercar mucho más a la industria del entretenimiento con la de la comunicación publicitaria. Deberíamos generar algo mucho más cercano. Bob Isherwood, muchos años antes de que existiera la categoría Titanium lanzó libros cada dos años sobre las “World changing ideas”. esto le permitió a Bob establecer vínculos muy grandes con personalidades como Louis Armstrong, Lou Reed, Laurie Anderson, gente muy impresionante de la cultura que junto a Bob definían cuáles eran esas ideas que cambiaron al mundo. Que fue una de las bases de Titanium después. Justamente con Kevin hablamos de “Next to Normal” y lo interesante de pegar la cultura a la publicidad. A mi me divierte el entretenimiento. Me divierten los eventos. Y me gustó con “Next to Normal” fue desarrollar una marca. Más allá de que la obra me parecía interesante y que había “tela para cortar”, me parecía que era importante construir una marca a partir de esa obra. Obviamente hay obras de teatro muy buenas y famosas que se transformaron en íconos y demás pero me gustaba hacerlo en Argentina. Una de las grandes cosas que tiene esa obra es que se estaba creando un movimiento a partir de un muy buen producto. Con el show que armamos con Gerónimo Rauch (“Entre Miserables y Fantasmas”, una historia del teatro musical), otro gran talento al que le está yendo muy bien en Londres. Aprendimos y empezamos a entender cómo se venden estos eventos y cuáles son los disparadores para que la gente vaya y compre una entrada. Sin la mirada publicitaria no se hubiera generado todo esto. A diferencia de la industria del entretenimiento (la televisión o el teatro en sí) le dí tiempo. Como los productos que necesitan tiempo. Hoy cualquier cosa que vende pocos tickets rápidamente se levanta. Hubo espacio para tener paciencia y construir algo. Y ¿cómo sigue? Tenemos la posibilidad de seguir con la segunda parte del show de Gerónimo, de reunir a los elencos de Next to Normal de Buenos Aires y Broadway. Si no lo hago, me frustro. Independientemente de las cosas que se van generando en las oficinas de Saatchi, o las selfies de Milka o las historias de Toyota o las historias para Pampers. ¿Qué te aportó a tu lado publicitario? Tambien creo que entendi que lo que habia que vender tenia que estar bueno. La obra tenia que estar buena para generar el movimiento. Así como un auto tiene que tener algo interesante para contar para que se genere esa “lealtad más allá de la razón”. Kevin en “Lovermarks” habla de esa lealtad más allá de la razón. Next to Normal generó esa lealtad más allá de la razón porque sino no comprás 70 veces un ticket. No tiene ninguna lógica. Me ayudó a entender el vínculo entre las personas y las marcas y a entender y mantener el tono de comunicación para eso. Un aprendizaje minuto a minuto.